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Cordófonos con pulsación - Arpa - Instrumentos - Música -


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#21 Ge. Pe.

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Publicado el 03 octubre 2008 - 02:39







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AERÓFONO




Aerófono, nombre genérico para designar cualquier instrumento de viento en el que el sonido se genera mediante una columna de aire encerrado.

Las principales familias de viento en la orquesta son la de metal (trompetas, trompas, trombones, tubas) y la de madera (flautas, oboes, clarinetes, fagots). La altura del sonido depende de la longitud del tubo y de si su extremo es abierto o cerrado. El timbre depende de la forma de la embocadura y de la campana, entre otras cosas.

Al soplar se producen, según presión, los diferentes armónicos. Los tubos cerrados por su extremo dan una octava más grave que los abiertos, que tienen dos vientres y, por lo tanto, producen doble número de vibraciones. Los tubos cerrados dan solamente los armónicos impares, como ocurre con los clarinetes y los saxos. Los instrumentos de un solo tubo producen únicamente los armónicos naturales. Para que puedan producir la escala cromática es necesario, o bien combinar varios tubos o trozos de tubos insertos en su interior, o bien acortar el tubo, ya sea mediante llaves (como en los de madera) ya por medio de varas (una pieza fija y otra móvil, a voluntad, para obtener la escala cromática, como en la trompa o trombón de varas), pistones o cilindros (fragmentos de tubos intercalados dentro del tubo) que hacen descender el sonido en medio tono, un tono o tono y medio. En los instrumentos de metal existen los sonidos tapados en pabellón, que rebajan la columna de aire un tono o medio tono. Véase también Instrumentos de viento-madera.


Instrumentos en los que vibran los labios



Los instrumentos en los que vibran los labios pertenecen a la familia de los aerófonos.

El sonido primario se produce al actuar los labios, apoyados contra la embocadura, como lengüetas.



Trompeta

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La trompeta moderna en si bemol se utiliza en las orquestas, en el jazz y en las bandas militares. Los tres pistones, junto con la variación de la presión de los labios, permite producir una extensión de tres octavas.


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Trompa
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La trompa, originariamente instrumento de caza, se desarrolló como instrumento orquestal en Alemania durante el siglo XVIII. La que aquí aparece es doble, se puede afinar en fa y si bemol al cambiar una válvula transpositora. El intérprete varía la afinación cambiando la posición de su mano dentro del pabellón.


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Tuba
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La tuba es un instrumento de viento-metal en el que el sonido se produce por la vibración de los labios del instrumentista. Se fabrica en diferentes tamaños, las más grandes de 2,4 m de alto.


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Corneta


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La corneta pertenece a la familia del viento-metal. Aunque ha figurado ocasionalmente en la orquesta, su actuación más habitual es en las bandas militares. Su técnica es muy similar a la de la trompeta.


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Música para el trombón
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La flexibilidad del trombón se despliega en el Concierto para trombón compuesto por Nikolái Andréievich Rimski-Kórsakov. Otras obras para este instrumento son la Sonata de Paul Hindemith, el Concerto d'hiver de Darius Milhaud y la Elegy for Mippy II de Leonard Bernstein.


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#22 Ge. Pe.

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Publicado el 09 octubre 2008 - 10:23







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FLAUTAS



Flauta, instrumento musical, que consta de un tubo cilíndrico, en el que vibra el aire cuando el soplo del intérprete se dirige contra el filo de la embocadura.


Pueden abrir o cerrarse agujeros adicionales para producir diferentes notas. En las flautas transversales, como la flauta travesera de la orquesta europea y la di china, la embocadura está abierta a un lado del tubo. En las flautas verticales el agujero puede estar al final del tubo (por ejemplo, en la flauta árabe llamada ney). En las de bisel, como la flauta céltica, la de pico, el pito, y la ocarina, la embocadura conduce el aire contra el filo de un agujero. En Latinoamérica, las flautas rectas o traveseras hechas con caña, huesos o barro cocido, son muy numerosas. Los ejemplos más conocidos son: la flauta de Garricio, en Cuba, la antigua tlapitsali de México, hecha de arcilla y la quena o kena, llamada flauta de los Andes, descendiente de las antiguas flautas del imperio Inca.

La flauta travesera, la más conocida en la música occidental, aparece en China en torno al año 900 a.C. Hacia el 1100 d.C. pasa a Europa, donde se convierte en la flauta militar en las zonas de habla alemana (de ahí su antiguo nombre de flauta alemana). En la música de cámara de los siglos XVI y XVII, se tocaban conjuntos de flautas, desde la soprano hasta la bajo. Se hacían en una sola pieza y tenían un tubo cilíndrico con seis orificios. La flauta fue alterada a finales del siglo XVII por la familia Hotteterre, de los que el más famoso es Jacques Martin, Le romain, constructores de instrumentos de viento franceses, que la fabricaron en tres piezas con una llave y un tubo cónico ahusado hacia afuera desde el intérprete. Esta flauta desplazó a la habitual hasta ese momento en la orquesta de finales del siglo XVIII. Se fueron añadiendo más llaves gradualmente para mejorar la afinación de ciertas notas; así, en torno a 1800, la flauta de cuatro llaves era común, y se desarrollaron flautas de ocho llaves durante el siglo XIX.

En 1832 el constructor alemán de flautas Theobald Böhm creó una con tubo cónico, que patentó en 1847. Éste será el modelo más extendido durante el siglo XX. La flauta Böhm está hecha de metal o madera, y tiene treinta o más orificios controlados por un sistema de llaves de tapón. Su extensión es de tres octavas a partir del do central. Otras flautas orquestales son el flautín o piccolo (una octava más agudo que la flauta soprano), y la flauta contralto, el bajo de las flautas.


Las flautas pertenecen al grupo instrumental de los aerófonos. El sonido producido por un aerófono es el resultado de la vibración del aire.




Ocarina

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La ocarina es una flauta globular, miembro de la familia de los aerófonos. Fue inventada en 1860 por el italiano Giuseppe Donati. Este modelo fue fabricado en Alemania en el siglo XIX.


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Flautín
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El flautín o piccolo es un tipo de flauta travesera. Es mucho más pequeña que la flauta soprano y está afinada una octava más aguda. Este ejemplo es un flautín de madera fabricado en torno al año 1800.


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Flauta de Pan  - Siku

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La flauta de Pan está hecha de caña. Este modelo tiene forma de balsa. Las cañas de diferentes longitudes producen notas distintas. Su nombre procede de la mitología griega: el dios Pan hizo esta flauta con los juncos en los que se había convertido la ninfa Arcadia. En Bolivia este tipo de flauta se denomina siku o sicu.

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Como citar estos artículos:

"Aerófono," Enciclopedia Microsoft® Encarta® Online 2008
<A href="http://mx.encarta.msn.com" target="_blank">http://mx.encarta.msn.com © 1997-2008 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.
© 1993-2008 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.

"Flauta," Enciclopedia Microsoft® Encarta® Online 2008
<A href="http://mx.encarta.msn.com" target="_blank">http://mx.encarta.msn.com © 1997-2008 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.
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#23 Ge. Pe.

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Publicado el 13 octubre 2008 - 04:54




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CORDÓFONO




Cordófono, término referente a cualquier instrumento que utilice cuerdas para emitir sonidos.

Éstos resultan de la pulsación de la cuerda (el arpa), de su frotamiento (el violín) o de la percusión de la misma (el piano, aunque durante el siglo XX también ha sido utilizado como instrumento de cuerda pulsada, manejándolas desde el interior de la caja armónica).

Las cuerdas, según el tipo de instrumento o de las distintas categorías de éste, pueden estar fabricadas de materiales sintéticos, de acero, de tripas de animal o de materias vegetales; dependiendo del material de que se confeccionen, varía notablemente el sonido que emiten. También la longitud y grosor de las cuerdas influye en el timbre del instrumento: cuanto más cortas y delgadas, más agudo será el sonido, y viceversa. La mayoría de los cordófonos poseen una caja de resonancia o caja armónica, a través de la cual el sonido amplifica su volumen y duración; cuanto mayor sea la caja, mayor y más prolongado será el sonido.

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Cordófonos pulsados



Los cordófonos pulsados son conocidos también como laúdes.

Incluyen todos los instrumentos que se tocan pulsando las cuerdas con los dedos, plectros o púas para producir la vibración que luego resonará en la caja del instrumento.




Bandura
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La bandura es un instrumento folclórico ucraniano que tiene algunas características de las cítaras y de los laúdes. Este instrumento está fabricado de madera, con trabajo de incrustación, madera tallada y doble diapasón. Su caja armónica es sólida, sin abertura en el centro.

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Laúd
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Los laúdes son cordófonos pulsados. Se dividen en dos grupos según sea corto o largo su mástil. La variedad marroquí de mástil largo aparece aquí con ricas incrustaciones y diapasón con trastes. Este instrumento se introdujo en Europa en el siglo X y fue muy popular durante el renacimiento.

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Sitâr
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El sitâr es el más conocido de los instrumentos indios. Es un laúd de mástil largo que se utiliza en la música clásica del norte de la India.


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Samisen
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El samisen, laúd japonés con fondo plano y mástil largo, desciende del sanhsien chino. Tanto la tapa como el fondo son de piel de gato. Sus tres cuerdas se tocan con un plectro de hueso. Este instrumento es tradicional en el teatro kabuki.


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Ûd
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El ûd es un instrumento del Oriente Próximo antecesor del laúd moderno. Pertenece a la familia de los cordófonos. Este ejemplar procede de Marruecos. Tiene cuerdas dobles, carece de trastes y se toca con un plectro o púa. Es el instrumento más importante de la música clásica árabe.




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Balalaica
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La balalaica es un laúd tradicional ruso con tapa plana y cuerpo triangular. Tiene un clavijero decorado que se talla con la forma de dos cabezas de caballo. Cuenta con tres cuerdas. Otras balalaicas pueden tener dos o cuatro cuerdas y diferentes tamaños.


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"Cordófono," Enciclopedia Microsoft® Encarta® Online 2008
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#24 Ge. Pe.

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Publicado el 16 octubre 2008 - 06:53



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CORDÓFONOS FROTADOS



Los cordófonos frotados son instrumentos musicales que se tocan con un arco que se desliza sobre una o varias cuerdas que vibran por encima de una caja de resonancia.



Viola
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La viola es un instrumento de cuerda frotada parecido al violín, pero 9 cm mayor que éste y afinado una quinta más grave. Hasta el siglo XVIII no se compuso una parte separada para ella.

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Viola da gamba
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La viola da gamba pertenece al grupo de instrumentos conocidos como cordófonos. Tiene seis cuerdas, el diapasón tiene trastes y se frota con un arco. Este ejemplar es un bajo de viola fabricado en el Reino Unido en 1713.


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Violín
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El violín es quizás el instrumento más conocido de la orquesta sinfónica. Su particular timbre se debe, en parte, al alma y a la barra armónica que se colocan dentro de la caja del instrumento para transmitir y distribuir las vibraciones. Otras dos características del violín son el diapasón sin trastes y las cuatro cuerdas afinadas por quintas.


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Laúd del mar Negro
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El laúd del mar Negro, instrumento folclórico de Georgia y de la Europa central, se fabrica con madera e incrustaciones de marfil.




Violonchelo
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El violonchelo pertenece a la familia de la cuerda frotada. El instrumento se coloca entre las piernas del intérprete, sobre una pica retráctil situada en su extremo inferior. Tiene cuatro cuerdas y se toca con un arco más corto y grueso que el del violín.


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CONTRABAJO




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*Contrabajo, el instrumento más grande y grave de la familia de la cuerda frotada. Mide normalmente 1,8 m de alto, tiene cuatro cuerdas afinadas por cuartas en mi1, la1, re2 y sol2 y suena una octava por debajo de su notación. En algunos casos se añade una quinta cuerda grave afinada en si1. Hay instrumentos en los que la cuerda en mi1 se prolonga mecánicamente en el clavijero, con lo que llega a producir el do1. Existe también la llamada afinación solista fa#, si, mi1, la1. Su registro alcanza, junto a la tuba, la zona más grave de la orquesta.

En los siglos XVIII y XIX coexistieron tres bajos de cuerda (a menudo afinados en la2, re3 y sol3), que sobreviven en la música folclórica de la Europa del este. Los antiguos bajos de los siglos XVI y XVII tenían cuatro o cinco cuerdas (excepcionalmente seis). Aunque ya en una fecha tan lejana como 1493, el italiano Bernardo Prospero señala la presencia en Mantua de músicos españoles procedentes de Roma que tocaban “viole grande quasi como me”, lo que sugiere un posible origen español y una ulterior evolución a partir de la vihuela de arco del renacimiento. Puede considerarse un instrumento híbrido al poseer características de la familia de las vihuelas de arco (violas da gamba) junto a otras específicas de la familia de los violines, y algunas referencias históricas señalan la presencia simultánea de instrumentos de ambas familias.

Las orquestas de baile modernas añaden una cuerda aguda a los contrabajos, afinada en do3. Hasta el siglo XIX los contrabajistas usaron arcos con la vara curvada hacia afuera en relación con el encerdado; mucho después de que fuera normal el arco curvado hacia adentro en el violín, la viola y el violonchelo. El arco antiguo sigue en uso junto a los arcos modernos desarrollados en el siglo XIX. Entre los virtuosos del contrabajo debemos incluir al italiano Domenico Dragonetti, autor de conciertos, sonatas y diversas reducciones para el instrumento, al director ruso Serge Koussevitzki, que también ha escrito para contrabajo, y al contrabajista de jazz estadounidense Charlie Mingus.



Charlie Mingus, contrabajista de jazz
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En la década de 1940, músicos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y John Coltrane desarrollaron un nuevo estilo de jazz que se llamó bebop. En él se mezclaban las disonancias y los acordes comprimidos con la interpretación solista. Charlie Mingus experimentó hacia 1955 con nuevas digitaciones y complejas progresiones armónicas. Su labor rompió el estereotipo según el cual los contrabajistas sólo podían acompañar rítmicamente y aumentaron las posibilidades de interpretación solista.



Frank Driggs/Archive Photos/"Haitian Fight Song" (Charles Mingus) Jazz Workshop, Inc. (BMI) de The Charles Mingus Quintet Plus Max Roach (Cat. # OJCCD-440-2) Fantasy Records, Fantasy, Inc. Reservados todos los derechos.


"Contrabajo," Enciclopedia Microsoft® Encarta® Online 2008
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*Imagen: http://www.el-atril..../Contrabajo.htm




Partes de la guitarra clásica
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La guitarra clásica es un instrumento de cuerda pulsada compuesto por una caja de resonancia plana, fabricada normalmente en madera de picea o cedro, y un mástil de caoba, nogal o arce. Alrededor del oído lleva un rosetón decorativo realizado en taracea. A finales del siglo XVI alcanzó su forma actual y a partir de entonces pocos han sido los cambios operados en su construcción. En esta ilustración se señalan las distintas partes de este instrumento.


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#25 Ge. Pe.

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Publicado el 19 octubre 2008 - 06:10





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CORDÓFONOS FROTADOS




VIOLÍN


1.      - INTRODUCCIÓN




Violín, instrumento de cuerda frotada, el más agudo de su familia.

Otros miembros de ésta son la viola, el violonchelo y el contrabajo.

El arco es una vara estrecha, de curva suave y construida en madera del Brasil, de unos 30 cm de largo, con una cinta de crines de caballo que va de lado a lado del mismo.

El violín tiene cuatro cuerdas afinadas por quintas: sol 3, re 4, la 4, mi 5.


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Violín
El violín es quizás el instrumento más conocido de la orquesta sinfónica. Su particular timbre se debe, en parte, al alma y a la barra armónica que se colocan dentro de la caja del instrumento para transmitir y distribuir las vibraciones. Otras dos características del violín son el diapasón sin trastes y las cuatro cuerdas afinadas por quintas.






En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de tripa entorchada con aluminio, plata o acero.


2.      - CONSTRUCCIÓN E INTERPRETACIÓN



Las partes principales del violín son la tapa, normalmente de abeto curado, el fondo, de madera de arce, los aros, el mango, el diapasón, el clavijero, la voluta, el puente, el cordal y las aberturas de resonancia o 'efes' (ver ilustración).

La tapa, el fondo y los aros están pegados para formar una caja hueca. Ésta contiene el alma, una barrita de madera colocada entre la tapa y el fondo, debajo y a la derecha del puente, y la barra armónica, un listón fino de madera pegado en el lado contrario del alma, a lo largo de la tapa. Los dos elementos son importantes para la transmisión del sonido.

Además proporcionan un apoyo adicional a la estructura. Las cuerdas van desde el cordal, por encima del puente y del diapasón, hasta el clavijero, donde cada una se ajusta con una clavija de afinación. El instrumentista consigue diferentes notas pisando con los dedos de la mano izquierda las cuerdas contra el diapasón. Éstas vibran cuando el arco, formando un ángulo recto cerca del puente, las frota.

Entre las características más preciadas del violín destaca su capacidad melódica y su potencial de agilidad, que le permite interpretar pasajes brillantes y líricas melodías.

Los violinistas pueden también crear efectos especiales por medio de las siguientes técnicas: pizzicato, pulsando las cuerdas; tremolo, moviendo el arco rápidamente atrás y adelante sobre la cuerda; sul ponticello, situando el arco casi encima del puente para producir un sonido delgado y cristalino; col legno, tocando con la vara del arco en vez de con la cinta de crin; armónicos, pisando las cuerdas sin que toquen el diapasón, con lo que se consigue un sonido agudo y aflautado y glissando, al pasar los dedos de la mano izquierda a lo largo de la cuerda para producir una afinación ascendente y descendente.


3.      - HISTORIA



El violín surgió en Italia a comienzos del siglo XVI. Parece haber evolucionado a partir de dos instrumentos de cuerda frotada: la fídula, también denominada viella y rebec, y la lira da braccio (instrumento como el violín con bordones separados del diapasón). También relacionado con el violín pero no un antecedente directo, es la viola da gamba, instrumento de seis cuerdas con trastes que apareció en Europa antes que el violín y existió junto con él durante unos 200 años.

Los más importantes violeros fueron los italianos Gasparo (Bertolotti) da Salò y Giovanni Maggini de Brescia y Andrea Amati de Cremona. El arte de la construcción del violín brilló con gran intensidad en el siglo XVII y comienzos del XVIII en los talleres de los italianos Antonio Stradivarius y Giuseppe Guarneri, ambos de Cremona, y del austriaco Jacob Stainer.

Comparado con los instrumentos modernos, el violín antiguo tenía un mango más grueso, menos inclinado hacia atrás, un diapasón más corto, un puente más bajo y cuerdas hechas sólo de tripa.

Los arcos antiguos eran algo diferentes en su diseño de los actuales. Estas características constructivas fueron modificadas en los siglos XVIII y XIX para producir un sonido más duro y brillante. Varios violinistas del siglo XX han restaurado y empleado instrumentos del siglo XVIII por considerarlos más adecuados para interpretar la música antigua.

En el pasado el violín no gozaba de muy buena reputación; se lo utilizaba para acompañar danzas o para doblar a las voces en la música polifónica. A comienzos del siglo XVII aumentó su prestigio al ser utilizado en óperas como Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi, e impulsado por la orquesta del rey francés Luis XIV, los 24 violins du roi, formada en 1626. Esta tendencia continuó durante el barroco con obras de importantes compositores e intérpretes como Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi y Giuseppe Tartini en Italia y Heinrich Biber, Georg Philipp Telemann y Johann Sebastian Bach en Alemania. El violín se convirtió en el principal integrante de las obras instrumentales: el concierto a solo, el concierto grosso, la sonata, la trío-sonata, la suite y la ópera. A mediados del siglo XVIII era uno de los instrumentos solistas más populares de la música europea. También formaban la sección más importante de la orquesta, con más de la mitad de sus integrantes. La agrupación instrumental de cámara más desarrollada de este periodo, el cuarteto de cuerdas, está formada por dos violines, viola y violonchelo.

Durante el siglo XIX los virtuosos del instrumento recorrieron toda Europa. Entre ellos están los italianos Giovanni Viotti y Niccolò Paganini, los alemanes Louis Spohr y Joseph Joachim, el español Pablo de Sarasate y los belgas Henri Vieuxtemps y Eugène Ysaÿe. En el siglo XX el violín ha alcanzado nuevos logros artísticos y técnicos con maestros con Isaac Stern, Yehudi Menuhin, Fritz Kreisler, Jascha Heifetz, Mischa Elman, Nathan Milstein, Joseph Szigeti y David Oistrakh.

Desde el barroco hasta hoy, casi todos los compositores han escrito música para violín.

Entre los conciertos más conocidos están los de Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms, Felix Mendelssohn, Piotr Ilich Chaikovski, Jan Julius Sibelius, Béla Bartók, Ígor Stravinski, Serguéi Prokófiev, Alban Berg y Arnold Schönberg.



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Partes del violín


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Estas son las partes fundamentales del violín. El alma transmite las vibraciones al fondo, donde la barra armónica las distribuye. Esta barra también refuerza el cuerpo del instrumento. El aro y la voluta están normalmente decorados. El puente es alto y curvado para facilitar el paso del arco.

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Como citar este artículo:
"Violín," Enciclopedia Microsoft® Encarta® Online 2008
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#26 Ge. Pe.

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Publicado el 22 octubre 2008 - 01:43





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CORDÓFONOS CON TECLADO


Los cordófonos con teclado son instrumentos musicales que se tocan mediante la pulsación de teclas que a su vez accionan un mecanismo que golpea una cuerda.

Además de los conocidos piano, clavicémbalo y clavicordio, este grupo incluye instrumentos folclóricos como el salterio.



Clavicémbalo
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El clavicémbalo pertenece a la familia instrumental de los cordófonos con teclado. Hay varios tipos entre los que se incluyen el virginal y la espineta que aquí aparece. Se desarrolló en el siglo XV y gozó de gran popularidad durante los siglos XVII y XVIII, en especial durante el estilo galante.

The New York Public Library




Clavicordio
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El clavicordio pertenece al grupo de los cordófonos con teclado. Fue popular durante el barroco, pero el piano lo desplazó en el siglo XVIII, en parte porque podía tocar con otros instrumentos. El clavicordio tiene un sonido débil que lo hace más indicado para la interpretación solista.

Hulton Deutsch





Cítaras golpeadas
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Las cítaras cuyas cuerdas se golpean con martillitos o baquetas son las antecesoras de los cordófonos con teclado. Se introdujeron en Europa en el siglo XI.

Mandolin Brothers/Photo Researchers, Inc.



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#27 Ge. Pe.

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Publicado el 29 octubre 2008 - 01:33





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CORDÓFONOS CON TECLADO


PIANO



1.      - INTRODUCCIÓN




Piano, instrumento de cuerda con un teclado derivado del clavicémbalo y martillos y cuerdas derivados del dulcémele.

Difiere de sus predecesores, sobre todo, en la utilización del sistema del martillo impulsado hacia las cuerdas por la tecla, que permite al intérprete modificar el volumen mediante la pulsación fuerte o débil de los dedos.

Por esta razón el primer modelo (1709) se denominó gravicembalo col piano e forte (‘clavicémbalo con suave y fuerte’).

Su creador fue Bartolomeo Cristofori (1655-1731), fabricante de clavicémbalos florentino, al que se considera inventor del instrumento en 1698. Dos de sus pianos han llegado hasta nuestros días. La caja de uno, fechada en 1720, está en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; la otra, de 1726, está en el Museo de la Universidad Karl Marx de Leipzig.



2.      - EVOLUCIÓN DEL PIANO




A partir de 1725, año en que el organero alemán Gottfried Silbermann, de Friburgo, adopta el sistema de Cristofori y construye dos pianofortes que somete a la consideración de Johann Sebastian Bach, los mayores avances se producen en Alemania. Quizá la contribución más importante fue la de Johann Andreas Stein, de Augsburgo, al que se considera inventor de un sistema de escape mejorado que sirvió para fundar la escuela vienesa de piano elogiada por Wolfgang Amadeus Mozart, que contó con el favor de la mayoría de los compositores alemanes de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Varios constructores de la Alemania central emigraron a Londres hacia 1760 y fundaron la escuela inglesa que, con John Broadwood y otros, empezó a trabajar para la producción de pianos más sólidos, cuya fama ha llegado hasta nuestros días. El francés Sébastien Érard fundó la escuela francesa en la década de 1790. En 1823 desarrolló el sistema de doble acción que todavía hoy es de uso general. En esta época, artesanos de muchos países europeos trabajaban para perfeccionar el instrumento. Se produjeron numerosas mejoras en el diseño y la construcción. Alemania y Estados Unidos han destacado en la fabricación de pianos, en especial la casa alemana fundada por Karl Bechstein y las estadounidenses Steinway, de Nueva York, y Chickering, de Boston. Los pianos de la fábrica austriaca Bösendorfer son también muy apreciados.

La extensión del piano primitivo era, como la del clavicémbalo, de cuatro o cinco octavas. De forma gradual se fue aumentando a más de siete. Para ello se realizaron cambios estructurales, como el incremento de la tensión de la cuerdas para producir ciertas notas. Existe un modelo de Bösendorfer que tiene un bajo extendido, gracias a lo que alcanza las ocho octavas.



3.      - ESTRUCTURA MODERNA




El piano moderno tiene seis partes fundamentales (en la explicación siguiente los números entre paréntesis hacen referencia al diagrama de la estructura del instrumento)

(1) El bastidor suele ser de hierro. En el extremo posterior se sitúa el cordal donde se sujetan las cuerdas. En el frente está el clavijero, en el que se distribuyen las clavijas de afinación. Alrededor de éstas se enrolla el otro extremo de la cuerda. La tensión se regula girando cada clavija.

(2) La tabla armónica, pieza delgada de madera con un veteado muy regular, situada debajo de las cuerdas, refuerza el sonido mediante la vibración por simpatía.

(3) Las cuerdas, fabricadas de hilo de acero, en las que aumenta el grosor y la longitud desde el agudo al grave. Las notas agudas disponen de dos o tres cuerdas afinadas al unísono. Las graves tienen una sola cuerda fortalecida al entorcharse en espiral un alambre fino.

(4) El teclado es el verdadero mecanismo requerido para impulsar los martillos o macillos contra las cuerdas. La parte más visible consiste en una hilera de teclas que se accionan con los dedos. Las teclas de las notas naturales se fabrican de marfil o plástico, las de las notas alteradas de ébano o plástico.

(5) Los pedales son palancas que se accionan con los pies. El pedal fuerte (derecho) levanta los apagadores para que las cuerdas continúen vibrando cuando las teclas se han dejado de pulsar. El pedal sordina (izquierdo) acerca los martillos a las cuerdas para que las golpeen con más suavidad, o los mueve hacia un lado para reducir el contacto. Algunos pianos tienen un pedal tonal en el centro que sostiene las notas producidas por las teclas pulsadas cuando el pedal está pisado. La utilización de los pedales produce variaciones en la calidad del sonido. En muchos pianos verticales al pisar el pedal de sordina se interpone una tira de fieltro entre los macillos y las cuerdas con lo que se produce un sonido tenue.

(6) Según la forma del mueble los pianos se clasifican en de cola, rectangular y vertical. El cuadrado o de mesa no es muy común. Para el uso doméstico se suele utilizar el vertical, mejor para estancias pequeñas. Los pianos de cola se construyen en varios tamaños, desde el gran cola de 2,69 m de largo, hasta el colín, de menos de 1,8 metros.

Entre los pianos verticales se incluye el piano doméstico del siglo XIX, del que el gran piano vertical es un tipo mayor. Los modernos pianos de espineta y consola son verticales pequeños emparentados con el cuadrado. En los pianos verticales las cuerdas se sitúan en sentido vertical o diagonal desde el extremo inferior del instrumento. En los verticales y los colines las cuerdas graves se sitúan en diagonal respecto de las agudas, más pequeñas. Con ello se ahorra espacio y se distribuye la tensión al mismo tiempo. La tensión conjunta de las cuerdas de un piano gran cola de concierto es de unas 30 toneladas, en el vertical de unas 14 toneladas.


4.      - MECANISMO DE PULSACIÓN



Cuando la tecla del piano se pulsa, las palancas que hay en el otro extremo suben y elevan otra palanca que lanza un martillo contra las cuerdas de una determinada nota. Al mismo tiempo, un apagador se separa de esas cuerdas para que puedan vibrar. Lo siguiente es una explicación detallada de cómo funciona el mecanismo. Los números entre paréntesis hacen referencia al diagrama en el que se muestra el mecanismo de un piano de cola.

La tecla (1) es una palanca que pivota (2) sobre una articulación elevadora. Cuando el pianista pulsa la tecla, la parte trasera asciende y la fuerza de la palanca de la tecla (3) presiona hacia arriba el puente (4), que actúa como bisagra. El lado libre de éste sube llevándose una pieza en forma de L llamada sostén del amortiguador o palanca de escape (5) y la palanca de repetición (9).

La articulación elevadora empuja al rodillo (6), un rollo de fieltro sujeto al brazo del macillo (7), y éste sube. El movimiento hacia arriba de la articulación se detiene cuando su extremo saliente golpea el botón regulador ( 8 ). El martillo sube rápidamente desde la articulación y golpea las cuerdas correspondientes. La palanca de repetición (9) también asciende, pero sólo hasta el extremo donde la articulación lo atraviesa, y toca el tornillo descendente situado en la cabeza del macillo (10); esta palanca permanece elevada hasta que la tecla se suelta.

El macillo cae hacia atrás, pero sólo en parte. Se detiene por la junta articulada golpeando la palanca de repetición que estaba arriba (9). La palanca de escape (5) puede entonces volver bajo el mango del macillo, elevado a su posición original. Al mismo tiempo, el empujador (11) hace que el macillo rebote contra las cuerdas.

Si la tecla se suelta, el macillo se mueve y la palanca de repetición queda elevada. Si el intérprete presiona de nuevo la tecla que ha pulsado antes, la palanca de escape (5) puede una vez más empujar al rodillo y al mango del macillo hacia arriba. Este sistema permite una rápida repetición de las notas antes de que la tecla y el martillo tengan tiempo de volver a sus posiciones originales. Fue una mejora importante en los mecanismos más simples y primitivos del piano y muy explotada por virtuosos como Johann Nepomuk Hummel y Franz Liszt.

Mientras tanto, la parte trasera de la tecla también ha empujado hacia arriba la palanca del apagador (12) que levanta a éste de las cuerdas de la tecla. Cuando ésta permanece en parte suelta, el apagador retrocede, se posa en las cuerdas y silencia su sonido.

Cuando la tecla se libera del todo todas las partes del mecanismo vuelven a sus posiciones originales por la fuerza de la gravedad. A diferencia de los pianos de cola, los modelos verticales no pueden depender de la gravedad para hacer que todo vuelva a su lugar. En un piano de cola el mecanismo se asienta horizontalmente sobre la tecla, en uno vertical se adapta para que se asiente más o menos en vertical. Ya que no puede depender por completo de la gravedad, incluye varios muelles y pequeñas tiras de tela para devolver el mecanismo a su lugar.


5.      - PIANISTAS CÉLEBRES



El piano ha sido siempre un instrumento de virtuosos. Los compositores tocaban sus propias obras en los siglos XVIII y XIX, entre ellos Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin y Franz Liszt. La pianista alemana Clara Schumann interpretaba las obras de su esposo Robert Schumann. El final del siglo XIX estuvo dominado por el compositor e intérprete ruso Anton Grigórievich Rubinstein. A principios del XX muchos instrumentistas viajaron por Europa Occidental y Estados Unidos. Destacan el polaco Ignacy Jan Paderewski y los polaco-estadounidenses Josef Hofmann y Arthur Rubinstein así como la venezolana María Teresa Carreño. En el periodo de entreguerras sobresale el compositor e intérprete ruso Serguéi Rajmáninov, el austriaco Artur Schnabel, la inglesa Myra Hess, el alemán Walter Gieseking, el español Ricardo Viñes y la brasileña Guiomar Novaes. Después de la II Guerra Mundial, en 1945, aparecieron pianistas soviéticos como Emil Gilels y Sviatoslav Richter.

El chileno Claudio Arrau fue maestro en un amplio repertorio. Con ellos podemos citar al intérprete y pedagogo checo Rudolf Serkin, al virtuoso soviético Vladimir Horowitz y a la española Alicia de Larrocha. Otros pianistas destacables de esta época son el anglo-austriaco Alfred Brendel, causante de varias controversias estéticas por su enfoque musicológico, el canadiense Glenn Gould, que grabó con mucho éxito la obra de Bach, los estadounidenses Van Cliburn y Murray Perahia y el soviético Vladimir Ashkenazy. En la actualidad, con un nivel de calidad técnica que sigue aumentando, han proliferado los concursos internacionales que sirven como lanzamiento a los artistas jóvenes.






Piano de cola

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El piano es uno de los instrumentos más utilizados por su flexibilidad. Aparece como solista y como acompañante, o formando parte de una orquesta y en la música de cámara. También interviene en la música popular y en el jazz. Fue inventado alrededor del año 1709. Además del piano de cola que aquí aparece, hay otros tipos como el más habitual piano vertical.


Michael Boys/Corbis





Estructura del piano
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Mecanismo del piano de cola

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Serguéi Rajmáninov


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El famoso pianista y compositor Serguéi Rajmáninov (1873-1943) fue uno de los últimos compositores rusos del siglo XIX. Al igual que en las obras de otros compatriotas, sus obras se caracterizan por el uso de largas melodías traspasadas por un sentimiento de melancolía, todavía dentro del movimiento romántico. Su calidad como concertista le proporcionó éxito en Europa y Estados Unidos, donde se exilió tras la Revolución Rusa.


Hulton Deutsch/"Rapsodia sobre un tema de Paganini, var. XVIII" de Rajmáninov: Piano Concerto No. 2, (Cat. # 8.550117) (p) 1991 Naxos of America, Inc. Reservados todos los derechos.
       





Arturo Benedetti Michelangeli

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El virtuoso del piano Arturo Benedetti Michelangeli es uno de los máximos intérpretes contemporáneos del repertorio clásico.


Farabolafoto





Alicia de Larrocha
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La catalana Alicia de Larrocha es una de las pianistas españolas más populares en todo el mundo por su magistral interpretación de los clásicos de su país, en especial de Isaac Albéniz y Enrique Granados. En esta imagen podemos contemplarla sentada frente al instrumento.


Christopher Cormack/Corbis







Claudio Arrau

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El chileno Claudio Arrau fue uno de los principales pianistas del siglo XX. Su técnica flexible y su belleza interpretativa resultaban especialmente adecuadas para la obra de los compositores Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Franz Liszt y Johannes Brahms.

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Publicado el 30 noviembre 2008 - 07:48

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:estudiando


ARPA



1. - INTRODUCCIÓN






Arpa, instrumento musical en el que las cuerdas, que suenan al ser pulsadas, van verticalmente desde el cuello o consola hasta la caja de resonancia o tabla.



2. - TIPOS





Las arpas cuentan con tres modelos básicos: arpa arqueada, en la que el cuello y la tabla tienen forma de arco; arpa angular, en la que forman un ángulo recto y el arpa de marco, en el que la tercera pieza, la columna, se coloca en el lado opuesto al ángulo, entre el cuello y la tabla, con lo que forman un triángulo seguro para soportar la tensión de las cuerdas. El arpa de orquesta moderna es del tipo de marco, grande y con 46 o 47 cuerdas (seis octavas y media, con siete cuerdas por octava). Las cuerdas graves están entorchadas, las agudas son de tripa o nailon. Para producir alteraciones (sostenidos o bemoles), el instrumento tiene siete pedales de doble acción. Cada pedal controla una cuerda en cada octava. El arpa se afina en la escala de do bemol mayor: cuando se pisa el pedal un nivel, cada cuerda controlada por él sube un semitono, de do bemol a do natural; cuando se pisan dos niveles, sube un tono, de do bemol a do sostenido.




3. - HISTORIA ANTIGUA





Las arpas de arco, las más antiguas, fueron conocidas en Sumer y Egipto entre los años 3000 y 2000 a.C. aproximadamente. Las arpas angulares aparecieron algo después. Las primeras aún se encuentran hoy en Birmania, zonas de África, algunas de Siberia y en territorios aislados de Afganistán. Las angulares fueron importantes en la música medieval árabe y persa. Se utilizaron hasta finales del siglo XIX en este último país. Las arpas de marco, casi exclusivamente europeas, aparecieron en el siglo IX y se desarrollaron en dos versiones, una utilizada en Irlanda y Escocia, y otra en la Europa continental. El arpa irlandesa es un instrumento potente, con una caja de resonancia amplia y profunda, tallada en un bloque de madera, cuello fuerte y grueso, y una dura columna curvada. Cuenta con 30 a 50 cuerdas metálicas que se pulsan con las uñas y producen un sonido brillante. Se utiliza desde el año 1800 aproximadamente. Las arpas medievales en otros lugares de Europa fueron más pequeñas y ligeras, con unas 7 a 25 cuerdas aparentemente de metal, y una tabla más estrecha y plana. En torno al 1500 se empezaron a utilizar cuerdas de tripa, y apareció una forma más alta con columna recta que pudo soportar más tensión de las cuerdas que la columna curvada. Esta arpa gótica es el antecedente de las arpas folclóricas de Iberoamérica y de las arpas irlandesa moderna y de orquesta.



4. - DESARROLLO POSTERIOR




Como la música desde el siglo XVI al XVIII fue demandando más notas que las siete del instrumento europeo, se hicieron intentos para producir las demás notas. Se incluyó una segunda fila de cuerdas afinadas con los bemoles y sostenidos (arpas cromáticas), se colocaron pequeños ganchos en el cuello que podían doblarse para acortar las cuerdas y subir su afinación y, por último, se conectaron esos ganchos (después discos rotativos) a pedales mediante palancas y alambres situados dentro de la columna. Inventada en 1720, la primera arpa de pedales simples pudo subir la afinación de determinadas cuerdas, lo que le permitió tocar en muchas tonalidades (no todas). Este sistema fue superado por el de doble acción, inventado en 1810 por Sébastien Érard en París.


Partes de un arpa



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Ilustración de las diferentes partes de un arpa.








Arpas y liras

Las arpas y las liras son dos de las familias más antiguas de instrumentos musicales.
Pertenecen al grupo de los cordófonos y se tocan pulsando las cuerdas con los dedos.




Beganna


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La beganna es un instrumento africano descendiente de la lira griega. Está fabricado de madera con una caja de resonancia cubierta de piel. La tocan solamente la aristocracia y los sacerdotes de Etiopía y de los países cercanos.


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Arpa irlandesa


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Este arpa celta fue fabricada por John Egan en Dublín (1820). La estructura, similar en todas las arpas, consta de varias cuerdas de diferente longitud que van desde la consola a la caja de resonancia. El arpa irlandesa se caracteriza por tener una columna curva y siete ditals (palancas) que se presionan con los dedos para variar la afinación de las cuerdas.


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Arpa saung-gauk de Birmania
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Este es un ejemplo de arpa saung-gauk de Birmania. Se fabrica de madera decorada con cristales y dorados. Es parecida a la antigua arpa de arco egipcia.


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Como citar este artículo:
"Arpa," Enciclopedia Microsoft® Encarta® Online 2008

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#29 Ge. Pe.

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Publicado el 20 abril 2010 - 08:02

:estudiando



Imágenes repuestas...



En algunos post la edición no quedo perfecta, no siempre pude hacerla compatible.




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